La lucha: Entrevista a la artista plástica Vivian Bezi.
Entrevista y edición: Gabriela Stoppelman
“Toda obra de arte es hija de su tiempo, y con frecuencia es madre de nuestros sentimientos”
Wassily Kandisnky
En la primera infancia de la memoria, la mancha era un error. O había reventado el cartucho de tinta en la lapicera o se había vuelto contra vos un chorro de plasticola o te habías sentado justo sobre un pastito pintor y el short blanco se volvió, irremediablemente, verde. Como si en todo aquello capaz de manchar hubiera desesperado alguna orfandad directamente hacia tu ropa, se te impregnaban chocolatada, dulce de leche y tuco.
A las sombras, por el contrario, nunca las consideraste manchas. Sin embargo, entre la segunda y la tercera infancia de la memoria, los pocos muertos que ya contabas se difuminaban en sus bordes, igualito que las manchas. Así, los ausentes eran la contracara de esas formas refrescantes, que la mano había logrado sacar del vidrio empañado y lluvioso. Por su parte y detrás de la ventana, al descorrer la cortina de esa niebla húmeda, unas gruesas franjas blancas tachonaban el asfalto. La cuarta y la quinta infancia de la memoria daban entonces un saltito, muertas de ganas por caminar con la exigente disciplina de quien se ha prohibido -a riesgo de soportar enormes desgracias-, pisar la línea divisoria entre cualquier par de baldosas. “Cosas de chicos”, remarcaba la cuneta, mientras maceraba en jugo de tiempo, hojas del último otoño, un pucho a medio fumar y dos envoltorios metalizados, que aún destellaban en alianza con el sol. Para la sexta y séptima infancia de la memoria, la calle ya se había vuelto un embrollo de geometrías desobedientes y ostentaba curvas y rizos sin ley, contra la rigidez de todo paseante. Ahí, donde la compostura de la línea y la perfección del círculo ceden sus reglamentos y se hacen trazo, apuesta y búsqueda, conversamos con la artista plástica Vivian Bezi.
MUEVA ESE COLOR
“Corazón bajo tierra/, la palabra escrita se borra, hace como que se borra. / Y al llegar la madrugada/ya estará pronta su mitad de barrilete.”
“El corazón bajo tierra”, Arnaldo Calveyra
Después, la infancia de memoria se hizo eterna, es decir, fue un perpetuo luchar. La lucha como ese espacio que te vitaliza, no el que te exige dar la vida. Sin sacrificios, la mancha se encuentra allí con el trazo, conversa con la grieta, tajea, horada, hace surco ¿Qué modo particular de lucha te aporta la pintura?, ¿qué luchas imprescindibles te quedan por enfrentar?
La pintura me aporta la interpretación de los sentidos a través de los colores, sin limitaciones. Así, puedo nutrir cada vez más esa fortaleza. En la creación está la lucha probable a afrontar. Y sería bueno hacerlo, con la intensidad que lleva ese deslizar de la imaginación.
Para esta misma edición, entrevistamos a Felipe Noé. Él nos dijo que mezcla abstracto y figurativo, porque así es el lenguaje de las palabras (casa, árbol, locura) ¿Por qué elegís lo abstracto?
Lo abstracto es un reflejo de mi visión, de la conexión de corazón y mente que mantiene los colores en movimiento. El vuelo de colores vibrantes que conectan con la esencia.
Lo bueno de la mancha es que nunca hay dos iguales, no cree en la pretenciosidad del espejo, su afán imposible de dar una copia fiel. Cada mancha, cada forma sin patrón en lo real esculpe una porción de lo posible, lejos de la complicidad con lo que ya hay. Fuera de la copia y de la idea de representar, ¿qué arte figurativo podría interesarte?
Te lo digo breve: La escultura el David, de Miguel Ángel.
EL PUENTE DE LAS MUJERES
“La mujer del azar se contempla en su espejo”
“El erotismo y las gaviotas”, Enrique Molina
Y, entonces, la mancha eterna se contrae y se estira, como una atleta de la forma y del color busca contener en sí las partes de las cosas sin ser ninguna cosa. Una abstracción, conceptualmente, toma las características generales de varios singulares, pero no es ninguno. Sin embargo, el arte abstracto es bien singular ¿alguna reflexión?
Es un proceso de potencialidades, casi en su totalidad va directo en conexión con las almas.
Pero no sólo a las almas, también a los cuerpos. Vemos que la muestra de Puerto Madero donde participaste estaba asociada a ciertas luchas. Por ejemplo, lo relativo al cáncer de mama. ¿Podés concebir un arte que no sea político, en sentido raigal?
Sí, la relación artista espectador, la expresión auténtica del espíritu, lo que genera en el interior cuando la obra es observada puramente en lo trascendente de la creación.
Bueno, eso también es político. Por otro lado, la muestra se hizo en el Puente de las mujeres, ¿qué significó eso para vos?, ¿cuál es tu relación con las luchas feministas?, ¿esa movida modificó tu arte?
Me pareció una experiencia maravillosa, es muy importante concientizar, apoyar y ayudar. Es la primera vez que recibí una propuesta vinculada con las luchas feministas y me pareció una buena oportunidad para seguir desarrollando virtudes, compartir arte con otros artistas, en esa sintonía de amor.
LIBEREN AL AIRE
“Y estallo en rosa/ en intemperie / en palabra”
Tina Elorriaga
La mancha sabe que el aire nunca es libre, hay que liberarlo., agitarle sus utilidades, respirarlo en modos inversos para que las circulaciones no se den siempre en el mismo sentido. En relación a esto, hay una pregunta que trasladamos de entrevistado en entrevistado ¿Qué es lo poético en pintura para vos? Y, en general, ¿qué es lo poético como vivencia?
En la contemplación de obras hay un poema, como vivencia es muy poético lo que se entreteje entre los colores y sus movimientos: la personalidad, lo que se expresa en esa unidad.
¿Cómo te vinculás con otros artistas de tu generación?
Me gusta ver cómo expresan su visión.
¿Qué tiene de particular pintar al aire libre? A pesar de que en Puerto Madero el aire muy libre no es.
Los espacios al aire libre tienen una energía muy especial para pintar, permiten estar en conexión con lo que sucede alrededor. La naturaleza es buena para potenciar lo que sucede en el interior y sacarlo hacia afuera.
¿Y cuál es tu relación con el paisaje al pintar?
Me gusta percibir la luminosidad de los espacios, me conecta con los colores.
EL FUTURO DE UNA MANCHA
“He de partir/no más inercia bajo el sol/no más sangre anonadada
no más formar fila para morir. /He de partir/Pero arremete, ¡viajera!”
“La última inocencia”, Alejandra Pizarnik
Y, entonces, no dejarse ser solo lo que se es. Otear el horizonte para multiplicar la fuerza en otros. ¿Qué singular sentido producen las imágenes visuales que no se te den en las imágenes verbales o auditivas?
La magia de la creación a través de los colores, la chispa de la imaginación, son esas imágenes en la mente, llegan con su color
Al pintar, ¿el cuerpo piensa?
Del corazón a la mente, creo que hay un lazo muy infinito.
El mismo Noé nos hablaba de la posibilidad que da el arte, más que de encontrarse a uno mismo, de dejar de ser uno mismo, de transformarse en otro. ¿Qué opinás?
Sí, me parece que nos transformamos en conectores para otros y para uno mismo.
¿Cuál es tu relación con las instituciones del arte?
Este mes tuve la propuesta de pintar en vivo para una discípula de Brian Weiss, Ada Della Porta. Esa fue una de las mejores experiencias que tuve. Pude pintar energías en movimiento, mientras personas hacían su regresión a vidas pasadas, estoy muy agradecida al universo por esta oportunidad.
Y, al regresar, ante las puertas de las vidas futuras -es decir, de lo aún posible- es evidente que, contra todo lo que resonaba en la primera memoria de la infancia, la mancha es pura potencia. Jamás, un error.
